김순옥의 미술세계

정적인 이미지 속에서 분출하는 대지의 힘

신 항 섭 (미술평론가)
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세상은 누구에게나 동일한 모습으로 존재한다. 그럼에도 불구하고 실제로 그 세상을 보고 이해하는 방식은 저마다 다르다. 어쩌면 화가가 존재할 수 있는 이유도 세상을 바라보는 그 방식이 저마다 다르기 때문이 아닐까. 동일한 대상을 놓고도 화가마다 다르게 표현한다는 것이야말로 이해방식의 차이, 즉 개별적인 사상 및 철학 또는 인생관의 차이에 기인하는 것이다. 그러기에 그림은 단순히 숙달된 손의 기능이 만들어내는 기술적인 생산물이 아님을 알 수 있다.

김순옥 역시 세상을 바라보는 관점이 남과 다르다. 그림을 통해 드러나는 그의 시각은 어떤 경우에도 예술적인 가치로서의 아름다움을 놓치지 않는다는 데 있다. 어쩌면 그림에서 아름다움을 추구하는 것은 당연한 일일 수도 있다. 그러나 그 아름다움이란 화가 누구에게나 주어지는 공통의 가치는 아니다. 왜냐하면 아름다운 소재 및 대상을 놓고도 아름다움 그 본질을 직시하지 못한 채 외연을 떠도는 경우도 적지 않기 때문이다. 다시 말해 그림이라고 해서 모두 아름답다는 의미로서의 예술적인 가치를 지니고 있는 것은 아니라는 뜻이다.

그는 어떤 소재 및 대상을 그릴지라도 항상 아름다움을 중심에 두고 있다. 아니, 보다 정확히 말해 그 자신의 내부에 ‘아름다운 그림’에 대한 독자적인 어떤 기준을 세우고 있다. 그 기준에 합당한 몇 가지 조건이 있다면, 그 하나는 그의 그림에 포진하는 동양적인 정서 즉, 여백의 미라고 할 수 있다. 여백의 미는 동양화에서 추구하는 이상적인 미적 가치의 하나로서 한지와 먹 그리고 모필 따위의 재료 및 기법과 관련이 있다. 동양의 수묵화는 선의 미학이라는 점에서도 서양화의 명암기법이나 원근법과는 다른 조형적인 특징을 가진다. 어떻든 이처럼 동양화와는 다른 유채나 수채 또는 아크릴 물감이라는 이질적인 재료 및 기법을 따르는 그는 그 차이를 어떻게 극복하고 있을까.

1990년대 집중적으로 다룬 한국적인 소재, 즉 불상을 비롯하여 고려청자 및 삼국시대 토기, 그리고 전통적인 생활기물 따위를 그린 일련의 작품에서는 동양화에서 말하는 여백의 개념이 적용되고 있다. 물론 동양화에서 말하는 여백은 종이를 素地소지 자체로 두는 비표현적인 공백을 말한다. 그러나 그의 그림에 적용된 여백은 소재의 상대적 개념으로서, 소재를 둘러싸고 있는 그 주변 공간을 의미한다. 그 주변 공간은 캔버스 자체로 두지 않고 추상적인 이미지로 처리되고 있으니, 엄격히 말해 수묵화에서 말하는 비어 있는 공간이 아닌 셈이다. 하지만 추상적인 이미지로 채워진 소재의 주변 공간에는 정적이 깃들인다. 비록 그 구체적인 형태는 없을 망정 무언가 추상적인 이미지로 채워지고 있음에도 불구하고 마치 비어 있는 듯한 정적이 느껴지는 것이다.

과연 그의 그림 속에 형성되고 있는 정적의 정체란 무엇인가. 그것은 다름 아닌 동양화의 여백의 미에 근사한 것이다. 여백과는 분명히 다르지만 동양화에서 감지할 수 있는, 형태미에 대응하는 상대적인 가치로서의 긴장과 절제 그리고 정신의 거처가 그 정적 속에 존재한다. 물론 추상적인 이미지 자체가 만들어내는 시각적인 이미지에도 많은 의미가 내포되어 있다. 그러나 정적의 미는 그러한 시각적인 이미지 위에 마치 허공에 부유하는 공기처럼 정신이 기거할 수 있는 어떤 보이지 않는 층을 통해 존재한다. 예를 들면 ‘청자투각연당초문주전자 및 승반’을 소재로 한 정물화의 경우 바닥 면에는 구체적인 형태를 떠올리기 어려운 추상적인 가로 줄무늬가 그려지고 배경은 어둡게 처리되었는데, 화면에는 침범할 수 없는 어떤 긴장감 또는 정적이 감돈다. 그 긴장이나 정적의 정체는 다름 아닌 사유의 그늘이라고 볼 수 있다. 보여지는 실체를 통해 그 존재를 의식할 수 있는 동양적인 사유의 공간인 것이다. 따라서 동양화의 여백은 바로 사유의 공간이기도 한 것이다.

이로써 짐작할 수 있듯이 그의 작품에는 어떤 소재 및 대상이든지 동양적인 여백에 비유할 수 있는 정신적인 처소가 마련되어 있다. 전통적인 생활기물이나 불상 따위의 한국적인 소재만이 아니라 일상적인 풍경화에서도 동일한 정서를 느낄 수 있다. 이는 한마디로 소재 및 대상과 상관없이 체질적으로 또는 정신적으로 동양적인 사상 및 정서에 감염된 한국인의 작품이라는 사실을 말해준다. 비록 파라과이에서 성장하고 학업을 마쳤다고는 할지라도 그의 미의식 및 미적 감수성은 그대로 한국인의 기질적인 특성과 연관되어 있다는 말이다.
그래서일까. 그 자신의 작가적인 성공과 관련해 논외할 수 없는 주제이자 소재인 ‘폭포’에서도 동양적인 여백에 근사한 정서가 읽혀지는 것은 결코 우연이 아니다. 장중한 대자연의 생명력을 극단적으로 보여주는 폭포야말로 어찌 생각하면 정적과는 상반되는 이미지인 셈이다. 그처럼 거대한 힘을 줄기차게 쏟아내는 폭포에 정적인 이미지가 끼어 들 여지는 전혀 없다고 할 수 있다. 그런데도 그의 작품을 보면 포효하는 듯한 폭포의 이미지 속에도 역시 정적인 공간이 존재한다는 점이 신기하다. 그것은 무엇 때문일까. 폭포를 묘사하되 그 동적인 이미지에 초점을 맞추고 있는 것이 아니다. 폭포는 단지 물적인 대상일 뿐이라는 인식 아래 그 형태적인 사실성보다는 관조되는 아름다움을 보려는 것이다. 물적인 대상을 있는 그대로 옮겨 놓았을 때 실제의 폭포가 보여주는 사실성을 능가할 수는 없는 일이다. 이를 인식한 탓일까. 사실성 그 자체에 연연하지 않음으로써, 제아무리 거대한 힘을 과시하는 폭포일지라도 아름다운 대자연의 일부일 따름이라는 관점을 놓치지 않는다.

그의 폭포 그림은 아주 사실적이다. 그러기에 힘이 넘친다. 화면 전체가 감상자를 압도하는 힘으로 채워지고 있다. 폭포가 가지고 있는 그 실질적인 힘에 대한 선입견이 아니더라도 그의 그림에서 시각적인 압박감을 느끼는 것은 피할 수 없는 일이다. 더불어 감정의 동요를 억제하기 힘들다. 그처럼 강렬한 에너지를 발산하고 있는 것이다. 특히 브라질, 아르헨티나, 파라과이 3개국 국경을 분할하는 이과수폭포를 그린 작품과 마주하면 대자연의 엄청난 에너지, 그 위대성을 새삼 실감케 된다. 그곳 원주민들이 이과수폭포를 신성시하면서 경배의 대상으로 여긴 것도 따지고 보면 인간이 범접할 수 없는 그 절대적인 힘에 대한 순종인 것이다. 그가 바라보는 이과수폭포도 이와 다르지 않았다는 것을 작품을 통해 감지할 수 있다. 온몸으로 느낀 감동이 그림에 그대로 투영되고 있다. 한 두 차례 이과수를 보고 나서 그린 작품들과는 확실히 차이를 느낄 수 있는데, 그것은 다름 아닌 대지의 힘을 직관하는 자의 실체적인 느낌이다. 오랜 시간에 걸쳐 이루어진 집중된 관찰과 사색을 통해 몸으로 체득한 이과수의 실체, 그 본질을 관통하고 있기 때문이 아닐까.

천지가 진동하는 폭음 속에 수직으로 낙하하는 거대한 폭포의 물줄기를 형상화하는 그의 작업은 대자연의 놀라운 괴력을 바로 눈앞에서 보는 듯한 감정에 빠져들게 한다. 이는 오랜 관찰을 통해 다져온 심상의 명확성과 대자연의 본질을 갈파하는 직관력의 산물이다. 그처럼 엄청난 대자연의 기운을 캔버스에 응축시키는 그의 미적 감각은 손의 재능을 뛰어넘는, 창작에 대한 진정한 열정의 산물이다. 그의 작품은 단순한 시각적인 인상에 그치지 않는다. 더구나 현실의 재현에 머물지도 않는다. 극히 작은 화면에 장대한 대자연의 용트림을 실감나게 압축시킴으로써 그림과 현실의 경계를 애매하게 만들고 있다. 이는 대상의 본질에 육박하는 사실성 및 밀도 높은 표현력의 결과이다. 구체적인 묘사이든, 또는 본질만을 직시하는 표현적인 이미지이든 시각적인 호소력은 아주 강력하다. 그의 작품을 보면서 실제의 폭포와는 마주하고 있는 듯한 감정, 즉 스스로 왜소해지는 자신을 깨닫게 된다. 이러한 감정은 그의 작품이 지니고 있는 강력한 설득에 대한 진정한 납득인 것이다.

그러나 그는 사실적인 형태미 또는 그로부터 느끼는 감동만을 담는데 멈추지 않는다. 오히려 사실적인 작품의 경우에는 냉정한 객관적인 관찰자의 입장에 서고자 한다. 그래서 스스로 폭포를 멀리서 조망한다. 폭포에 바짝 다가섬으로써 시각적인 압박감을 주는 작품의 경우에도 차가운 시각을 견지한다. 그 풍경 속에 빠져들지 않는 객관적인 시각을 유지할 수 있도록 이끈다. 그 객관적인 시각이야말로 어쩌면 그림 속에 동양적인 여백의 개념을 투입시키는 관건인지 모른다. 그러기에 넘치는 에너지의 존재성을 앞에서도 거기에 함몰되지 않고 되레 편안함을 느낄 수 있는 것은 아닐까.

최근에는 폭포의 이미지를 좀더 다양한 관점에서 접근하고 있다. 아크릴과 수묵을 기꺼이 받아들이고 있는 것도 재료에 따른 새로운 표현을 기대하는 까닭이다. 실제로 이들 수성물감을 사용한 작업은 작업의 용이성에 따라 구체적인 형태묘사보다는 내적인 감정 또는 무의식세계를 표현하는데 효과적임을 입증한다. 수성물감을 사용하는 작업은 제작과정에서 속도의 문제를 표현적인 가치의 하나로 제시한다. 그가 아크릴이나 수묵을 사용하는 데는 어찌 보면 속도 있는 표현을 통해 구체적인 형태묘사에서 자유롭고자 하는 의지가 작용하는지 모른다.

이를 입증하듯 수성물감을 사용한 작업에서는 힘차고 거친 호흡이 느껴진다. 쏟아지는 폭포의 물줄기를 형상화하듯이 거칠고 힘차게 빠르게 그어대는 붓 자국에서는 속도감이 느껴진다. 그 속도감은 한층 현실적인 느낌으로 다가온다. 이는 아마도 시야를 좁혀 폭포의 물줄기 그 자체의 힘을 형상화하기 위한 필연적인 선택이었으리라는 생각이다. 형태가 파괴되는 대신에 그 자신의 내면에 응집된 표현감정을 여과 없이 쏟아냄으로써 표현적인 순수성이 높아진다. 그 표현적인 순수성은 내적인 세계를 거침없이 드러내려는 자유의지에 대한 갈망의 표출이다. 형태를 보는 것이 아니라 형태가 숨기고 있는 폭포의 본질적인 힘을 드러내려는 의도인 것이다. 그렇다고 해서 본질만이 모든 요구를 충족시키는 것은 아니다. 하지만 그가 추구해온 시각적인 ‘아름다움’과는 다른 세계를 경험함으로써 새로운 잠재적인 능력을 확인하는 기회이기도 한다. 다시 말해 때로는 내적인 갈망을 분출시킴으로써 외적조건에 의해 닫혀 있던 미의식 및 감수성을 만개시킬 수 있는 계기를 맞이할 수도 있다. 더구나 무의식 또는 우연적인 표현이 가져오는 그 예기치 않은 세계야말로 그 자신의 잠재적인 욕구의 증표라는 점에서 자신의 내부를 들여다보는 기회인 셈이다.

이제 사실적인 형태묘사에 전념해왔던 스스로에게 자유를 허락함으로써 경험할 수 있었던 형태의 해체 또는 비구상 및 추상적인 영역에서 그가 얻은 것은 무엇이었을까. 그것은 오히려 사실적인 형태묘사가 지닌 실질적인 힘, 즉 시각적인 것이든 또는 내적인 것이든 마음을 움직이는 감동적인 힘은 어떤 경우에도 침해받지 않는다는 점이 아니었을까. 가장 최근에 다시 유채화 작업을 하고 있다는 데서 그 답은 명백하다. 아니, 사실주의 미학과 추상적인 미학 어디 한 군데 매이지 않고 자유롭게 표현영역을 넓히게 되었다는 보는 것이 옳다. 그럼에도 불구하고 역시 그 자신에게 익숙한 세계는 실질적인 것, 즉 눈에 보이는 세계인지 모른다. 그것은 고향에 대한 그리움과 같은 것인지 모른다. 자신의 의식 속에서 지울 수 없는 풍경을 그대로 받아쓰겠다는 자신감이야말로 스스로가 선택할 수 있는 진정한 자유가 아닐까.



Kim Soonok’s World of Anti-Concrete Painting

The power of Earth released from static images

Shin Hangseop (Art critic)

The world exists in the same form to all of us.  Nevertheless, each of us perceives and understands it in different ways.  Perhaps the reason of where painters are coming from is different ways of viewing the world.  Differently expressing at the same object is based on different ways of understanding, that is, individual thoughts and philosophies, or their own views of life.  Therefore, we understand the painting is not just a technical product created my skillful hands.

Kim soonok also views the world in her own way.  Her standpoint revealed through paintings comes from the point that she never misses the beauty as an artistic value in any circumstances.  It might be natural a painter pursues beauty.  However, the beauty is not a common value which shall be given to every painter because there are quite a number of occasions that some are not able to face the nature of beauty in front of beautiful materials or objects by wandering around outer manifestations.  In other words, not all paintings have an artistic value in beauty.  

Kim soonok always focuses on beauty in painting any material or object.  Further exactly speaking, she establishes certain standards of her own on ' the beautiful painting' inside her.  As for some required conditions to those standards, one of them is an oriental emotion, that is, beauty of blank space, which occupies her paintings.  Beauty of blank space is one of aesthetic values in Oriental painting, and is associated with materials and techniques such as hanji (traditional Korean paper), ink stick, and writing brush.  Oriental painting has different formative characteristics from shading or perspective technique in Western painting, from the point of view as aesthetics of lines.  However, how does she overcome the difference from such Oriental paintings by using different materials or techniques with oil, water, and acryl paints?  

In 1990s, she focused on Korean subject materials such as Buddha image, Goryeo celadon, Three King period's earthenware, and traditional living articles by applying the concept of Oriental painting's blank space.  Of course, Oriental painting's blank space refers to the non-expressive space which uses the paper as a painting material.  However, blank spaces which were used in her paintings are of the relative concept to subject materials, and thus they refer to surrounding blank space around subject materials.  Such blank space's surroundings are treated as abstract images instead of empty canvas space itself, and so it can be said that it is not the empty space of ink-and-wash paining.  However, stillness is woven into blank space's surrounding which is filled with abstract images.  Though such blank space has no specific forms but it is filled with some abstract images, it gives a sense of stillness just like emptiness.

What is ever the identity of the stillness formed in her paintings?  It is the one which is close to Oriental painting's beauty of blank space.  It is obviously different from the blank space, but it is exists in such tension, restraint, or mind as a relative value to the physical beauty which could be perceived from Oriental painting.   Of course, there is a great deal of implications in the visual image which is created by the abstract image itself.  However, the beauty of stillness comes to exist through some kind of invisible layers where the mind can stays just like floating air on such a visual image.  In case of the still-life painting which uses 'Celadon kettle (Chong-ja tugak-yeondang-chomun kettle) and plate' as a subject matter, it has abstract horizontal stripes on the bottom and the darker background, and this results in some kind of inviolable tension or stillness on the screen.  It can be said that the identity of such tension or stillness is the very shade of thinking.  Through the nature of visible objects, the space of Oriental thinking is created, which enable us to perceive their existence.  Consequently, the blank space in Oriental paintings also becomes the space for thinking.

As we can guess from the above, there are some mental places which are comparable to Oriental blank space in any material or object.  Not only Korean subject materials such as traditional living articles or Buddha's images, ordinary landscape paintings provide us with the same emotions.  In one word, it is that her works are created by a Korean who is constitutionally and mentally infected with Oriental thinking and emotions, regardless of subject materials or objects.  Though she grew up and completed her studies in Paraguay, her aesthetic consciousness and aesthetic sensitivity are associated with temperamental characteristics with the Korean as they are.
Shall it be so then? It is surely no accident that we can read some kind of emotions close to the blank space in Oriental painting from her ‘Waterfall’, which is a subject and material we can not leave out of discussion in association with her own success as an artist.
 
In a sense, the waterfall which demonstrates the vitality of the magnificent Mother Nature in an extreme way, might be a conflicting image to the stillness.  There seem to be no room for the image of stillness to be interfered into erupting waterfall with such an enormous energy.  However, it is so amazing to see that we can find some kind of space which is filled with stillness even in such a roaring waterfall image of her work.  What make us think so?  She described the waterfall but did not focus on its dynamic image.  By perceiving the waterfall as just a material object, she tried to see the contemplated beauty, not its reality in form.  Expressing a material object as it is, never surpasses the reality of the actual waterfall.  Was it because she perceived this?  By avoiding cling to the reality itself, she did not miss her own view that the waterfall is a just a part of Mother Nature, no matter how enormous power it might have.  

Her painting for the waterfall is very realistic.  So it is shown very energetic.  The full screen is being filled with the power which surpasses appreciators.  Besides the prejudice on its substantive power which the waterfall has, it is unavoidable to have a feeling of visual oppression from her painting.  Also, it is hard to control in echoing sentiments.  The painting really releases such a powerful energy.  In particular, when we encounter her painting of Iguassu Falls which separates 3 countries of Brazil, Argentina, and Paraguay, we realize its greatness once again.  Natives' holding Iguassu Falls sacred as an object to be worshiped is a kind of obedience to its absolute power after all.  We can sense her Iguassu Falls is not different from theirs through her painting.  Sentiments thrilled through the entire body are projected into the painting as it is.  We can find some different points from the painting which is made through seeing Iguassu Falls a couple of times, and it is the very the substantive feeling of the person who use his/her intuition towards the power of the earth.  Doesn't it come from her penetration into the substance of Iguassu Falls, which she learned about it through concentrated observations and thoughts over a long period of time?  

Her painting by give shape to such a huge flow of the waterfall falling down with reverberating earth and sky in a huge sound of explosion, makes us entangled by the feeling to face the prodigious power of Mother Nature just like being before our very eyes.  This is a product of intuition which can interpret the substance of Mother Nature as well as image's clarity which have been built up through the long time of observations.  Her sense of beauty which enables the vitality of enormous Mother Nature to be condensed on canvas, and it leads to a product in the true meaning of passion, by surpassing her skills of hands.  Her painting is just more than a simple visual impression.  By compressing the surging of the magnificent nature on a very small screen in a very convincing way, she makes the border of painting and reality vague.  This is a result of the expressiveness of high density as well as reality which is very close to object's substance.  Concrete description or straight-forward expression only to the substance, its appeal is so strong.  Her painting deludes us a pretense that we are standing in front of that waterfall, and it makes us feel small.  Such a sentiment comes from the true acceptance of the strong persuasion of her painting.  

However, she is not satisfied with just a capture of such a sentiment or its realistic beauty of form.  Rather, she tries to have the stance of a hard-headed objective observer in case of realistic paintings.  So she intends to view the waterfall from a distance.  In case of paintings as well, which give a feeling of visual oppression by standing close up against the waterfall, she holds on to her stance with cold eyes, in order to keep the objective view out of that landscape.  Such an objective view might be crucial to projecting the concept of Oriental blank space into the painting.  So, I attempt to guess her resistance not to be gone under in front of the existence which is from a flow of energy, makes us comfortable.

These days, she approaches waterfall's image in more various perspectives.  This is why she is willing to take acryl and ink-and-water to attempt new expressions according to materials.  In reality, such paintings by watercolors are proven to be more effective in expressing inner emotions or unconsciousness than concrete forms.  Painting by watercolors raises an issue of the speed in painting as a value of expressions.  Maybe she is trying to use acryl or ink-and-water to escape from the concrete expression in forms by speedfully painting.

Just like proving this, we can find a vigorous and coarse breathe in her paintings by watercolors.  From her brushing in a coarse and powerful way just like giving shape to the flow of falling down waterfall, we can feel some speed.  Such a speed approaches with more realistic feelings.  I think it might be an inevitable choice of hers in order to give shape to the power of waterfall's flow by narrowing her view.  Instead of destructing forms, she enhanced its expressive purity by freely releasing the condensed expression from her inner mind.  The expressive purity is a display of her desire for the free will to express the inner world without any limitation.  She intends to disclose the substantial power which is hidden in forms, not to see just forms.  However, we cannot say the substance is not the only thing to satisfy all needs.  But, by experiencing her different world from the visual 'beauty', we can have an opportunity to see new potential power.  In other words, we can have some opportunities to enable our aesthetic consciousness or sensitivity in full bloom, which has been locked in ourselves by external conditions.  Furthermore, such an unexpected world which is brought by unconsciousness or accidental expression, is a real opportunity to look inside ourselves from a point of view in self satisfaction on individual potential needs.  

By allowing herself to have freedom out of the realist expression in forms, what was her achievement then?  I cautiously assumed it might come from the fact that any power to touch people shall not be interrupted by anything, visual or inner-minded.  It is obviously revealed by her resuming the oil painting.  No, it is more adequate to say that she comes to be untied to only one field of aesthetics, realistic or abstract, to expand her expressions in a freer way.  Nevertheless, we are not sure about which world she is more familiar with, the real world or the invisible world.  It might be something like a longing for hometown.  The self-confidence to take dictation of the landscape as it is, which is indelible even in her own consciousness, is a real freedom to make a choice by herself, I guess.